Exposición: Cincuenta años de la URSS

Enmarcado dentro programa Gutun Zuria “Festival internacional de las letras” AlhóndigaBilbao albergará entre el 11 de mayo y el 29 de junio una exposición del fotógrafo ruso Dimitri Baltermants. Las obras forman parte de la colección de la Moscow House of Photography.

Cincuenta años de la URSS a traves de la lente, un trabajo en el que destacan sus magníficos reportajes desde el frente, los retratos políticos de los líderes soviéticos y los paisajes cotidianos de Rusia, antes y después del régimen comunista. Baltermants supo proteger los mitos fundamentales del régimen soviético sobre la vida del pueblo más fuerte y feliz de la tierra y, a la vez, desnudar de la forma más brutal la realidad de sus mitos, destacando en sus fotografías los dolores y las alegrías comunes del ser humano, que no dependen de las fronteras geográficas ni de las estructuras sociales. Según informan desde la propia página web

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Querido Roy

Recuerdo que hace años el hermano de un amigo había comprado una lámina de un tal Roy Lichtenstein. Era una reproducción de una de sus obras más significativas The Kiss IV (1962). Desde aquel beso mi interés por Lichtenstein fue creciendo.

Roy Lichtenstein estaba inmerso en la cultura Pop Art, en el gusto por la imagen vulgar del repertorio urbano, en la cultura de masas, dónde el motivo adquiere gran importancia. Su carrera se consolidó en Nueva york junto a un importante grupo de artistas: Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselman o Robert Indiana.

Conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del comic, también realizó esculturas con esta misma técnica. En palabras de Lichtenstein sobre su obra:

"Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo"

Para saber más:

Historia del arte. El mundo contemporáneo. Dirigida por Juan Antonio Ramírez
http://www.lichtensteinfoundation.org/

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Bio ¿qué?, Biopic

Biopic, género cinematográfico que intenta contar la "historia de la vida de una persona" o "sus momentos más importantes". Normalmente es un género que no se suele ver dos veces, aunque por suerte siempre hay excepciones. Otras veces, simplemente no parece un biopic....

No hace mucho revisione Ed Wood (Tim Burton, 1994) que narra la historia del bizarro director de cine Edward D. Wood Jr. Me encantó recordar Glen o Glenda y ver brillar a Martin Landau, interpretando a Béla Lugosi, cuya relación con Ed Wood (Johnny Deep) es clave para el desarrollo del film. Un homenaje a un director y a todo un señor género.



Aunque no todos los biopics son sagrados, y esta lección la aprendió bien Olvier Stone en The Doors (1991) dónde el director se centra en la vida de Jim Morrison desde su etapa estudiantil hasta su muerte en París. Más allá de caer en muchos errores históricos, la banda rechazó el film porque parece que Stone se olvidó de que Morrison era músico. Veinte años más tarde, lo que parece increíble es que Val Kilmer diese vida a Jim Morrison.

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Jason hace comics

John Arne Saeteroy (Jason) nació en Molde (Noruega) hace 38 años. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación.
"Yo maté a Adolf Hitler" confesó Jason en 2007. Ahí fue cuando nos hicimos amigos. Su trazo simple y sus aparentemente inofensivos perretes cautivaron al público y a la crítica, esta obra fue ganadora del premio Eisner 2008. Después conocería su extensa colección, desde 2001 cuenta con 14 historias, cada cual más interesante. Desde partidas de ajedrez, hasta historias que parten el alma sobre amistades infantiles o el más clásico género negro. Del blanco y negro al color Jason es un autor que no se puede perder la oportunidad de leer.

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Che-qué-loco y Mostrenco

Che-qué-loco es el alter ego de Darío Adanti, ilustrador argentino afincado en Madrid. Darío define su obra como humor absurdo, y dedica gran parte de su tiempo a la cultura más pop. Su colaboración con Jordi Costa "Mostrenco", crítico cultural español, ha dado como resultado "Mis problemas con Amenábar" (2009) o el homenajea a los 2.000 números de la revista cinematográfica Fotogramas "2.000 años de cine" (2010).
Pero si hay una obra que brille por encima de todas en este maravilloso tándem formado por Mostrenco y Che-qué-loco es Monstruos Modernos! (Astiberri, 2008). En esta obra veremos un repaso a la cultura, una crónica de los fenómenos modernos del ocio. Desde Woody Allen a la música indie pasando por a cocina moderna, el brunch, Joaquín Reyes o John McEnroe. Textos breves de tres o cuatro ideas sobre personajes, momentos, productos, acompañados de ilustraciones precisas que sacan la sonrisa de más de uno. Tal vez su punto fuerte reside en lo fácil que resulta identificarse o reconocerse en el libre y es que quién no conoce a los Rollings Stones, Homer Simpson, George Clooney o adora las siestas (la digestión entre paréntesis).

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Miguel Noguera: la idea de

Miguel Noguera ha sido esta semana uno de los invitados de de Andreu Buenafuente en su programa. La excusa, la reciente salida al mercado de su primer libro en solitario: Ultraviolencia. La obra viene a ser una enciclopedia ilustrada de las ideas de Noguera, la versión en papel de sus espectáculos de monólogos, donde se dedica a improvisar a partir de una serie de conceptos preestablecidos que acaban normalmente conformando una versión absurda de la realidad.

El humor de Noguera se basa, sobre todo, en el desconcierto. En inventar procesos de comportamiento disparatados de personas, animales, máquinas o microorganismos. Cuanto más irracional, cuanto más ilógico mejor; pero siempre sin desligar totalmente esos comportamientos de la realidad: tirar del chicle pero dejando un pequeño hilo colgado, lo suficiente para que pensemos que esas cosas pueden suceder de verdad, por qué no, aunque eso fuera entonces tan divertido como incómodo.

El procedimiento de Noguera es lanzar la idea al aire y deconstruirla después. Desglosarla haciendo hincapié en los detalles más estúpidos, los que engordan el carácter surrealista de sus propuestas. Y eso lo hace dejando que sea el espectador quien realice el esfuerzo práctico e imagine esas ideas en su cabeza. Incluso mejor si las refuerza y las amplia. Noguera da el pie y expone su extraño mundo, pero para que la fórmula funcione es necesaria la existencia de pequeños nogueras activos dentro de cada espectador.

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Logorama: el exceso como arma

Logorama es un cortometraje de animación dirigido por tres autores franceses. El film ha ganado importantes premios como el Kodak en Cannes y el Oscar a mejor cortometraje animado en el año 2009.

Con un argumento muy simple, la mayor virtud del corto reside en el grandísimo trabajo creativo y de imaginación para conseguir construir un mundo donde todos los elementos (desde personajes hasta mobiliario urbano o cualquier ser vivo) son logos, imágenes de marca que, aprovechando su diseño, interactúan de una forma o de otra. Como ejemplo, en el zoo de la ciudad viven animales como el cocodrilo de Lacoste, el pingüino de Linux y hasta el elefante de los republicanos norteamericanos.

El film, más allá de la simple y exprimidísima idea de hacer ver los peligros de la excesiva industrialización del mundo en que vivimos, es capaz de crear dentro del espectador una conclusión incómoda pero inconsciente, que tan sólo se hará consciente cuando éste realice el ejercicio de pensar en cuántos de los más de 3.000 logos que aparecen en la película ha sido capaz de reconocer. Es entonces cuando se nos revela que, cuando la estrategia del uso de la imagen se basa en la saturación, no hay mucho que podamos hacer para defendernos.

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Mama Wassalon

Wassalon y Monstri viven juntos. Clara-Tanit (Gerona, 1981) les da vida. Esta joven ilustradora española fue la primera ganadora de la beca de cómic Alhóndiga Bilbao. Gracias a ello se creo una exposición, allí pude conocer a estos seres maravilloso. Wassalon (Astiberri, 2008)

Cuando la autora defíne la obra nos avisa de que "Hay mucho de mi en Wassalon sobre todo en las primeras historias que dibujé. Pero poco a poco vi que los personajes se habían convertido en entes propios, tenían vida por si mismos. Ya no necesitaba pensar en un equivalente real a Monstri para saber cómo actuaría en cada cosa que le pasara. Llegó un momento, dibujando Wassalon, en el que tenía la sensación de que no hacía falta inventarme las historias. Si los personajes están bien definidos, tan sólo tienes que montar una escena y pensar en una acción. Y ellos te dan el final." *

Como proyecto de cómic creado tras recibir la beca, que consistía en mil euros al mes para desarrollar el proyecto en La Maison des Auteurs de Angloulême, Clata-Tanit publíco ¿Quién ama a las fresas? (Astiberri, 2010) novela gráfica en la cual una chica con cabeza de fresa se ve desplazada en un mundo de cabezas normales. En mi opinión creo que merece la pena acercarse a las historias de Clara-Tanit y prestarlas un poco de atención.

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Los créditos: Balada triste de trompeta

La escena de créditos de la sensacional Balada triste de trompeta es memorable porque condensa en apenas dos minutos el glosario de deas que la película se esfuerza en desgranar durante todo su metraje. Alex de la Iglesia decía antes del estreno algo así como que la cinta venía a ser una especie de ejercicio catártico de los miedos y obsesiones de su infancia, etapa en la que en su cabeza se mezclaban en similares proporciones, procedentes de la televisión, imágenes de políticos recios, monstruos, curas, folclóricas y terroristas.

Esa potentísima imaginería queda plasmada a la perfección en los créditos, una sucesión de fotografías en blanco y negro que, unidas, elaboran un discurso que pasa por lo kitsch y lo grotesco, cuyos paisajes reflejan el lado más cutre y mugriento de un país rancio, miedoso y supersticioso, donde terroristas analfabetos convivían en el dietario de sucesos con las caras de Bélmez, Frankenstein o el humor de Tip y Coll.

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Mi visión del arte

Manifiesto Optimista de un movimiento najnygjuista

Najnygjuista significa n - a – d - a

Queremos creer que hay un arte libre, y que somos capaces de crearlo y estamos seguros de que lo vamos a intentar. Un arte abierto a todos, sencillo, sin tecnicismos ni palabrería. Llevando el arte a la gente, y la gente al arte.

Creemos en toda forma de creación, sin preferencias por ninguna, o por todas. No distinguimos entre obra mayor u obra menor. No nos importa la raza a la que pertenezca la obra, nos importan sus padres.

No hacemos arte por hacer arte*. Lo hacemos porque es un método de expresión, y una manera de llevar nuestras expresiones a vosotros, sin nada que imponer. Solo dando a conocer.

*arte.

(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη).

1. amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo.

2. amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

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Marchando

Tras el visionado de Buried decidí adentrarme un poco más en el mundo de Ryan Reynolds. Aunque conocía algo de su trabajo, Adventureland (Greg Mottola, 2009) o La proposición (Anne Fletcher, 2009), elegí la comedia Marchando (Rob McKittrick, 2005).



Marchando (o Waiting en su título original) es una "pseudocomedia" sobre un grupo de jóvenes que trabajan en uno de esos restaurantes de cadena. Entre bromas infantiles y juegos ridículos, Dean (Justin Long) se plantea si su futuro pasa por quedarse estancado en ese local "de mierda". Con un respetable 6,8/10 en imdb me dispuse a ver el film, 94 minutos más tarde me preguntaba si de verdad eran necesarios y porqué no me había "marchado" 94 minutos antes. Sin gracia, con un tema demasiado trillado sobre el existencialismo de la juventud y sus miedos al estancamiento, tal vez solo merezca la pena por conocer a Bishop (Chi McBride) un friegaplatos psicólogo que intenta poner un poco de orden dentro del caos de la cocina. Esta vez no se salva ni la música. Una advertencia, salió en dvd una segunda parte Still Waiting (2009) aunque por mi pueden seguir esperando.

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Espere que se termine mi bono

Cuando me mudé a mi actual barrio, una de las primeras cosas que hice fue buscar un videoclub para hacerme socia. En este caso se trataba de una de esas cadenas en las que priman las palomitas frente a una buena selección de películas. Y aunque no me suministraran todo lo que mi cuerpo necesitaba, los precios eran razonables y el catálogo no era tan pobre. Además era el único videoclub que quedaba en la zona.

Ya había vivido años atrás en este barrio, cuando las películas se alquilaban en VHS y se mantenían discusiones con el dueño sobre si sí o no había que entregar las películas rebobinadas. Cuando un videoclub era un lugar en el que un señor (normalmente gordo) te recomendaba esto y lo otro. Cuando tenías la posibilidad de elegir un videoclub.

Ahora, simplemente espero que la tienda de golosinas en la que alquilan DVDs unas calles más allá no cierre antes de que se termine mi bono de diez.

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