Los créditos: Lost Highway

El comienzo de Lost Highway (Carretera Perdida, David Lynch, 1997) es un paisaje nocturno, un plano oscuro. Cuando la canción de David Bowie empieza a atronar ya podemos deducir que nos encontramos en una carretera. La repetición continua de figuras (las marcas de pintura del asfalto), lo cerrado del plano y la escasísima profundidad de campo recuerdan a una escena onírica, cargada de una ilógica propia de una pesadilla. El I'm deranged de Bowie adorna de forma perfecta la sensación de desenfreno de la enloquecida escena. Lynch sabe que una carretera fantasmal de noche es un potentísimo símbolo de misterio: las imágenes de la entrada a Twin Peaks o la ascensión a la colina de Mulholland Drive pueden ser perfectamente las fotografías de ambas obras.

La frenética escena de créditos de Lost Highway termina como empezó: una recta interminable y unas luces. Nada más. "Dick Laurent is dead".

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¿Conoces a este tio?

Tiene un apellido imposible y una imagen alejada de los canones de belleza impuestos por Hollywood, sin embargo esta llamado a ser uno de los grandes actores de la década. Él es Zach Galifianakis.

Cómico underground, con varios programas televisivos propios, saltó a la fama en 2009 con la comedia The Hangover (Todd Phillips, 2009). Con un argumento muy clásico, novio y tres amigos van a Las Vegas para celebrar la despedida de soltero. Las cosas se complican, nadie recuerda nada y la boda corre peligro. Fue en este film donde Galifianakis brillo con más fuerza situandose a un nivel superior de sus compañeros Bradley Cooper, Justin Bartha y Ed Helms.
Con algo menos de acierto Todd Phillips decidió repetir la técnica del road trip. Esta vez Zach Galifianakis se situaría como co-protagonista en Salidos de cuentas (2010) junto con un explendido Robert Downey Jr.
Recientemente también se le ha podido ver en La cena, remake de la francesa La cena de los idiotas, y esta preparando la segunda parte de la exitosa Resacón en Las Vegas (The hangover) que verá la luz en Estados Unidos el próximo mes de mayo.

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La escena. Banda aparte

9Min. 43Seg.
Franz a Odile y Arthur.
Es el tiempo que se tarda en atravesar el Louvre corriendo, o al menos los protagonistas de Band à part, película de Jean-Luc Godard realizada 1964. Quién pudiera atravesar el Louvre corriendo y sentir aquel París.

En realidad son menos de 40 segundos y sin embargo son una seña de identidad de la Nouvelle Vague. En Jules et Jim (Truffaut, 1962) podemos encontrar una escena muy parecida. Aunque será en la película Soñadores (Bertolucci, 2003) la que reviva la secuencia en una nueva historia sobre dos chicos y una chica en las calles de París.

En este otro video podeís ver el cuidado de Bertolucci para que fuese lo más parecida posible. Sin duda, uno de los grandes momentos del cine europeo.

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El arte no es una opción

Más conocida por el pseudónimo de Troch, la fotógrafa canadiense Mary Burgoyne nos adentra en su mundo de plástico

Cuenta con casi 4.000 fotografías en su galería repartidas en 280 álbumes y su máxima es que el arte no es una opción. Sin duda, lo que no es una opción es no conocer su obra. Su corazón late en blanco y negro pero cada día nos sorprende con una nueva explosión de color.

¿Cuál es tu historia?

He sido fotógrafa y adicta al cuarto oscuro toda mi vida. Me compré mi primera Holga como un capricho en 2005. Tenía una Fujica 645 desde años, por lo que el telémetro de 120 no fue una gran sorpresa. Jugué con ella un tiempo y después empecé a buscar información en internet, lo que me llevo hasta Lomography. Me inscribí en Marzo de 2007, si la memoria no me falla. Para entonces, ya había descubierto Beau Photo en Vancuver. Ellos venden cámara “lomo” y una amplia cama de película y productos para el cuarto oscuro. Mi siguiente cámara fue una “Fisheye 2” y la adquisición de cámaras aún continua.

¿Cuál es tu lomografía preferida? ¿Puedes decirnos por qué esta fotografía?

Creo que me voy a quedar con esta. El color es divertido y llamativo pero en mi corazón y mi alma reina el blanco y negro. He disparado muchos carretes en este edificio y siempre que necesito inspiración, cojó una cámara, y mi corazón me lleva hasta allí.

Te hemos visto fotografiando increíbles paisajes pero, ¿Cuál es tu localización ideal para disparar?

Mi localización ideal sería el siguiente valle a la colina que aún no llegado todavía. Ojalá que haya mucho sol y viejos edificios abandonados para explorar. Además iba a necesitar al menos tres cámaras con una buena selección de película.

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Estereotipos aceptados

El pasado domingo La Sexta emitió el último capítulo de Princesas de barrio, la sit-com mezcla de realidad y ficción que sirvió como heredera natural de la anterior Mujeres ricas. La serie respeta el formato de su predecesora: una sucesión de historias alrededor de cuatro protagonistas con una posproducción muy cuidada y respeto por la idea de entretenimiento puro sin pretensiones.

Ambos productos sacan a escena los comportamientos, normalmente estereotipados, de dos clases sociales muy diferenciadas pero, aun así, sus mayores logros son los mismos:

1. Conseguir que una parodia sobre un colectivo sea considerada como tal por los detractores naturales de ese colectivo

2. Que a la vez quienes pertenecen a ese colectivo se vean identificados con las protagonistas y lo consideren simplemente una broma frívola sin malas intenciones

3. Que, a pesar de todo, no deje de ser un reflejo de la realidad, más o menos distorsionado y exagerado, pero siempre fiel

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Lomografía. ¿Qué es?

La Lomografía es una técnica fotográfica analógica que consiste en utilizar, a grandes rasgos, cámaras de plástico. En la práctica se trata de recuperar la fotografía analógica indistintamente de la cámara que se use. Aunque su lema es que no hay normas cuenta con diez reglas de oro para todo aquel que quiera iniciarse.

1) Lleva tu cámara siempre contigo

2) Utilízala siempre: de día y de noche

3) La Lomografía no interfiere en tu ritmo de vida, forma parte de ella

4) Dispara desde la cadera

5) Acércate lo más posible a sus objetos de deseo lomográficos

6) No pienses

7) Sé rápido

8) No necesitas saber de antemano lo que ha captado la película

9) Luego tampoco

10) Pasa de las normas

Formatos cuadrados, dobles exposiciones, procesos cruzados. Un sin fin de palabrerías que no deberían asustar a nadie. La técnica es sencilla: coge una cámara de las que quedaron encerradas en los armarios cuando llegaron los megapixeles, si tienes suerte te quedará algún carrete (no te preocupes si esta caducado), sal a la calle y dispara. Volverás a sentir incertidumbre cuando tu película este de camino al laboratorio y pánico cuando estés de camino a recogerlo. ¿De verdad no quieres probar?

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La escena. (500) Days of Summer

(500) días juntos (Marc Webb, 2009) no es una historia de amor. Llena de referencias pop nos cuenta la relación entre el idealista Tom (Joseph Gordon-Levitt) y la adorable Summer (Zooey Deschanel) esa bella chica que no deja indiferente a nadie. Es una historia sobre cine francés, el mundo indie, los Smiths o Simon & Garfunkel.

La siguiente escena resume bastante bien esa idea. Tiene fuerza, tiene ritmo, tiene La guerra de las galaxias y tiene baile. ¿Qué más se puede pedir?

Como era de esperar creo escuela y producciones que se mueven en el mismo circulo lo homenajearon. Para el capítulo cien de Como conocí a vuestra madre sus protagonistas deleitaban al público con este otro musical.

Y de regalo este videoclip grabado para la banda sonora de la película en la que nos muestran que ambos protagonistas tienen dotes de bailarines.

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El paso del tiempo como castigo (II)

En efecto, la propuesta de Braid es la consecución de unos objetivos para superar una especie de redención a través ejercer de toda clase de manipulaciones en el tiempo. Decía en el anterior post que, para alcanzar esos objetivos, no existe limitación temporal. Nada de cronómetros corriendo en contra, lo que lo convierte en un juego infinito si el jugador no es lo suficientemente hábil como para llegar hasta las piezas de puzzle que cada nivel requiere y, como precisamente Braid no es un juego sencillo, en ocasiones se convierte en todo un reto a la paciencia. Es cierto que este hecho no supone nada novedoso ni revolucionario, y que la mayoría de juegos arcade funcionan de la misma manera. Pero también es cierto que Braid es capaz de llevar la fórmula casi hasta el tedio, en un ejercicio suicida de estiramiento de los límites temporales y de manipulación de la paciencia del jugador. Un hecho paradójico y redondo en un videojuego cuyo principal protagonista es, precisamente, el tiempo.

Relacionada: El paso del tiempo como castigo (I)

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¿Debe publicarse esta fotografía?

Tras el artículo escrito por Pablo Ordaz, corresponsal en México , Centroamérica y el Caribe en su blog de elpais.com me asalta de nuevo la eterna duda, ¿hasta que punto se debe publicar una fotografía?

La duda sobre hasta que punto un fotógrafo debe o no hacer una fotografía y publicarla no es algo nuevo. Más bien está de constante actualidad. En facultades de ciencias sociales y de la comunicación, fotoperiodismo, cursos de reporterismo gráfico siempre surge la pregunta, ¿hasta que punto debe publicarse una fotografía?

La respuesta nunca es clara. En mi opinión creo que un fotógrafo debe utilizar su cámara como arma para denunciar situaciones y como periodista para informar sobre los hechos. Como toda información, e informante como más o menos ética, se debe evitar el sensacionalismo. El mundo linchó a Kelvin Carter por no ayudar a la niña a escapar del buitre, años más tarde descubrimos que era un niño y que no corría ningún peligro como se muestra en el artículo de El Mundo.

En el caso de la fotografía artística la polémica no es menor. Un ejemplo es el fotógrafo Oliviero Toscani, más conocido por sus campañas para la empresa Benetton. Ahora os pregunto, ¿hasta que punto creéis vosotros que debe publicarse una fotografía?

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El paso del tiempo como castigo (I)

El protagonista de Braid sabe que cometió un error, que por su culpa perdió lo que más quería y que quizá jugar con el tiempo sea la única manera de recuperarlo. De esta manera nos embarcamos en una aventura extraña y sutilmente elaborada, en un juego de plataformas con referencias evidentes en forma de guiños a Super Mario Bros cuyo mecanismo gira siempre en torno a la manipulación temporal como herramienta para superar los niveles. Braid, desde su apariencia de sencillo rompecabezas, propone una reflexión nostálgica sobre la pérdida del amor, su consiguiente huella y la melancolía póstuma como consecuencia inevitable.

Su sistema de actuación, basado en un plataformas clásico, elimina de un plumazo las reglas tradicionales de los videojuegos, donde morir es el castigo a una acción equivocada. En Braid la muerte sencillamente no existe, ya que es evitable. Sin embargo, conseguir los objetivos será una tarea complicada y fruto solamente de la consecución de la excelencia en los movimientos realizados.

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Black swan (Darren Aronofsky, 2011)

Darren Aronofsky ha encontrado su principal público objetivo. Se trata de una generación fascinada hace diez años por sus primeros trabajos, Pi y Requiem for a dream, dos obras con mucho en común y con las que el director neoyorkino establecía como marca de la casa un estilo formal exagerado y extraño. Esa generación es la principal responsable de que cada nueva película con su firma sea esperada con ansiedad por muchos.

Black swan regresa a esos inicios visuales, tras la incomprendida The fountain y la más académica The wrestler, film con el que Aronofsky se hizo un hueco el año pasado en el banquete de Hollywood.

Es precisamente con esta última y con Réquiem for a dream con quienes Black swan guarda más elementos en común, mostrándonos todas el camino que conduce desde una vida aparentemente exitosa hasta la absoluta autodestrucción, en este caso bajo un efectismo escandaloso y paranoico que confirma una vez más al realizador de Brooklyn como un enemigo declarado de la sutileza y la armonía narrativas que, además, se atreve a crear una profunda dicotomía formal encarando de esa manera un arte de extrema delicadeza y fragilidad como el ballet.

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De cómo las élites de poder se bajaron las bragas en la prensa rosa

La prensa rosa o periodismo del corazón son publicaciones periodicas destinadas a contar la vida privada de famosos y demás farándula. Con una gran popularidad en nuestro país sirve de escaparate para las élites de poder. Aristócratas, reyes, princesas y demás banosesas hasta candidatos políticos, presidentes, ministros... todos hacen aparición en las páginas del papel cuché.

Si bien durante años los grandes clásicos como ¡Hola!, Semana, Lecturas o Pronto lo han dado todo por mostrarnos la cara más amable y respetuosa de estas élites, una nueva "raza" de prensa rosa ha nacido en nuestra sociedad destinada a destripar a aquellos que se crucen por su camino. Y es que la audiencia ha hablado, Cuore o Qué me dices se sitúan por encima de Lecturas o Semana.

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La torpeza del elefante

Hace cosa de un mes, durante una clase en la facultad de Periodismo de la Universidad del País Vasco, salió el tema de Vigalondo y su salida forzada de El País, y la profesora que impartía una materia de cuarto curso en ese momento quiso posicionarse respecto al tema. Su veredicto fue declarar culpable al director cántabro y situarse a favor de aquellos que consideraron su comentario sobre el holocausto como una provocación intolerable y absolutamente irrespetuosa.

Hace dos semanas, Álvaro Bohórquez entrevistó a Jose A. Pérez, autor del sensacional blog Mi mesa cojea y responsable de programas como Ciudad K o en la actualidad Escépticos, quien, preguntado precisamente por esta última producción, respondió que no había tenido problemas con la UPV/EHU a la hora de realizar contenidos salvo en el caso de la facultad de periodismo, donde sí se había encontrado con el impedimento por parte de ésta de grabar (las razones no están explicadas).

Resulta que Nacho Vigalondo estudió Comunicación en la UPV/EHU, aunque no terminó la carrera; y José A. Pérez es licenciado en Publicidad por la misma universidad.

Algo falla si, desde dentro de las universidades (teóricamente centros de formación y creación de profesionales) se cuestiona, critica, dificulta o directamente se ataca en público el trabajo de quienes han salido de su seno y, de una manera o de otra, han conseguido importantes reconocimientos a su labor. Bien cierto es aquello de que nadie es profeta en su tierra, pero actos así hacen recordar, a otra escala, catástrofes sociales como las fugas de cerebros que suceden cuando no se preparan a tiempo los medios necesarios para el progreso. Aunque en este caso las consecuencias no son tan graves, sí que resulta triste comprobar que suceden cosas así, respaldadas además por justificaciones peregrinas o difíciles de entender. Más evidente aún parece la torpeza de una facultad que, lejos de aprovechar la oportunidad para lograr una publicidad magnífica a través de quienes han conseguido que su mensaje llegue lejos, bombardean su propio tejado sin saber que el prestigio se obtiene, sobre todo, logrando que su imagen pública sea fuerte y positiva.

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Por qué ver... Buried (Enterrado)

Paul Conroy (Ryan Reynolds) es secuestrado y enterrado vivo en un ataúd mientras trabaja como civíl en Irak. En la caja Paul cuenta con poco más que un mechero y un teléfono móvil para intentar salir con vida.



Es admirable como Rodrigo Cortés aborda el guión imposible de Chris Sparling y lo transforma en noventa y cinco minutos de cine. En ocasiones el ritmo se frena y la sensación de asfixia se pierde, aunque se recupera en el desenlace. Pero todo el peso de la película recae sobre un sorprendente Ryan Reynolds, más conocido por sus papeles de "chico guaperas que altera a las nenas". Llevar sobre sus hombros todo el peso de una película no debe ser fácil, y menos si ello implica vivir dieciseís días de rodaje en una caja. Quizás el secreto está en que deja de ser una interpretación para convertirse en algo real. Reynolds afirmaba que "Rápidamente se convirtió en una fobia mía, porque dadas las circunstancias, en este rodaje, no puedes evitar sentir cómo se echan encima las paredes".

Por qué ver Buried, por la dirección de fotografía, por aprender que se puede mantener la atención del espectador sin sacarlo de una escena durante toda la película, por el montaje que hace de cada fundido a negro un nuevo acto (más propio del teatro). Por ver que Ryan Reynolds es algo más que una cara bonita y un buen cuerpo.

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La escena. La red social.

En la red social David Fincher se permite dejar su sello personal, como en la magnífica escena de la competición de remo, donde diversos primeros planos se mezclan con picados y cenitales descarados, todo ello con desenfoques muy marcados y un rítmo frenético que crea una composición casi de videoclip incrustada en medio de la película. Es sin duda la mejor secuencia de la película.



Parte de culpa de tan sublime escena la tiene In the hall of the Mountain King canción creada por Trent Reznor and Atticus Ross que suena durante la secuencia. No es de estrañar que la banda sonora de la película resultase ganadora en las pasadas galas de los Globos de oro y los Oscar. Pero la banda sonora no solo resulta imprescindible para esta escena en concreto y es que resulta evocadora. Cuando uno se detiene a escuchar el disco puede revivir la película y perderse entre sus títulos. Almost home.

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Una construcción rural de la ficción

Los habitantes más ancianos de Logrosán, en Cáceres, son capaces de recordar todavía con una sonrisa nostálgica historias como la de aquella noche de verano. Corrían entonces los años 50, cuando una voz de alarma recorrió todas las calles alertando de un suceso extraordinario que estaba teniendo lugar en la sierra y que podía verse desde la cancha de fútbol. Allí se reunieron aquella noche la mayoría de los vecinos, quienes miraban hacia arriba sin saber muy bien qué estaba pasando exactamente, hacia unas luces misteriosas que se movían y a la vez descendían hacia el pueblo. Entre risas y nervios los habitantes más informados aseguraban que aquellas luces no podían ser otra cosa que extraterrestres que bajaban a la tierra. Los ciudadanos permanecieron allí hasta que, horas después, dos populares vecinos del pueblo aparecieron en la cancha con dos linternas en las manos y con las ropas destartaladas y sucias, relatando que habían subido a la sierra de San Cristóbal, que corona el pueblo, y se les había hecho de noche.

Más allá de la anécdota, el suceso sirvió como sustituto con que rellenar lo que actualmente consideramos una carencia cuando miramos hacia el pasado. Me refiero a los momentos de ocio comunitario proporcionados por medios como la televisión o el cine. A falta de esos elementos capaces de hacer compartir las mismas experiencias a una comunidad, el pueblo de Logrosán encontró aquella noche una excusa ideal en aquella sierra para, no sólo forjar un nexo de unión entre sus ciudadanos, sino también para descubrir sobre San Cristóbal un pedazo grande de ilusión y novedad; para proyectar sobre ella, en definitiva, su propia ficción

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A spanish film

Hoy hemos podido leer en El País que Ángel Sala, director del Festival de Sitges, ha sido denunciado por un fiscal acusado de exhibir pornografía infantil en "A serbian film". El artículo decía que

"la fiscalía acusa a Sala de un delito de exhibición de pornografía infantil por permitir el pase de la cinta, en la que aparecen dos imágenes que supuestamente traspasan la legalidad: la violación de un bebé recién nacido y otra de sexo con un niño de cinco años."

El artículo en ningún momento menciona la ficción de la cinta, es decir, no existe tal bebé ni tal niño. La reciente oleada de "moralismo" (por llamarlo de alguna forma) que esta recorriendo el país hace que cada vez me sienta más estúpida. Debemos de tener o los fiscales más astutos o los más ridículos. La noticia continúa con el siguiente párrafo.

"La fiscalía barajó la posibilidad de llamar a declarar también al director de la película y de denunciarle, aunque desistió por la dificultad para imputarle ese delito y de localizarle para que compareciera. Y es que la legislación sobre la exhibición de pornografía con la participación de menores es distinta en cada país y eso hubiera provocado un debate legal de incierto final, pues Srdjan Spasojevic es de nacionalidad serbia."

Claro, por lo visto vivir en Serbia, en el año 2011, debe de ser un gran problema para localizar a uno de los cineastas más de moda. Y para que vamos a quedar como gilipollas delante de toda Europa. Definitivamente sí, creo que tenemos los fiscales más ridículos. Es difícil explicar como, situaciones como esta, me hacen sentir verdadera vergüenza. Hoy si puede decir el señor Javier Moreno que este suceso constituye un insulto a cualquier aficionado al cine y a cualquier persona honesta.
¿Desde cuándo alguien puede decirme qué ver y qué no ver? Creía que el art. 20 de la Constitución Española me protegía. Ilusa. Porque no lo olviden señores, aunque a veces no lo parezca, el cine es ficción.

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Krusty es machista

En un capítulo de Los Simpsons, el payaso Krusty pronuncia, como candidato a congresista durante una campaña electoral previa a unas elecciones, un discurso equivocado cargado de frases machistas y lleno de tópicos sobre el papel de la mujer en la sociedad. Obviamente el sector femenino que asiste al mitin se levanta ofendido y comienza a abuchear a Krusty, mientras que Marge, interesada en la victoria del payaso por cuestiones personales, se lanza en su defensa intentando excusasr el contenido del discurso bajo un razonamiento concreto: la idea de que Krusty tan sólo está interpretando un papel en el que parodia los comportamientos sexistas de los auténticos machistas.

Hay ocasiones en las que se hace complicado diferenciar un discurso real de un acto caricaturesco. Hay otras veces en que, aunque el caso es evidente, ese mínimo esfuerzo intelectual que requiere esta lógica de aparentemente fácil comprensión, sencillamente no se quiere realizar. El dato diferenciador que desvela normalmente que el discurso se trata de una parodia es la exageración, característica que requiere toda caricatura. En ocasiones confiar en la inteligencia del público se convierte en un acto de fe demasiado arriesgado.

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De qué hablo cuando hablo de comer

La gastronomía cada vez cobra más fuerza en la cultura que nos rodea. Y no es solo labor de grandes cocineros (Andoni Aduríz, Mugaritz; Ferran Adriá, El Bulli). Aunque Mugaritz acaba de presentar su proyecto gastronómico-musical, una banda sonora a partir de la experiencia culinaria que suponen algunos de sus platos, músicos, escritores, cineastas nos mostraron el arte de la cocina mucho antes. Y es que el alimento es un modo de expresión.

Un ejemplo de ello es Kitchen de Banana Yoshimoto. Con su ópera prima Yoshimoto se adentra en el lado más filosófico de la gastronomia. En esas comida repletas de frío y soledad que hacen saborear cada página.

Si uno se adentra en el mundo cinematográfico las posibilidades se vuelven infinitas. Desde Delicatessen y su particular comunidad de vecinos centrados en comer hasta reuniones en grandes banquetes como La cena de los idiotas, con un remake recientemente que no terminó de convencer a nadie.

Bon apèttit!

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