Vuélvete a enamorar

No he podido resistirme a la nueva edición de la Spinner de Lomography. Es preciosa. Vestida en piel italiana, esta cámara permite realizar fotografías panorámicas de 360 grados. Su técnica es sencilla, basta con tirar de una anilla y la cámara comenzará a girar. Tu obtienes infinitas panorámicas en 35 mm.

El debut de la piel

Si la original Spinner 360º logró cautivar el

corazón de los amantes analógicos y acelerar el pulso a más de uno. Casi un año después en Lomography quieren celebrar el lanzamiento del primer clon de la Spinner 360º, vestida con traje de piel italiana Toledo, un lujoso material que encaja perfectamente con la cámara. Además para agregar más estilo la han decorado con patrones geométricos que robarán todas las miradas. Atrévete a girar tu mundo con la nuevaSpinner 360º Leather Edition.

Especificaciones Técnicas:

Tipo de película: 35mm

Lente: 25mm

Ángulo de visión horizontal: 360°

Ángulo de visión vertical: 66°

Enfoque: enfoque fijo: 1m ~ infinito.

Fotos por carrete: aproximadamente de 8 (película estándar de 36 exposiciones)

Apertura: f/8, f/16

Precio: 119 €

El pack contiene:

• Cámara Panorámica Spinner 360°

• Tapa de Lente

• Anillo de goma adicional

• Manual de instrucciones

• Tarjetas de técnicas fotográficas

• Afiche Panorámico

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Llega la nueva Lc-Wide

Hace tiempo hablamos en el blog sobre la lomográfía y sus 'no' normas. Ahora, la comunidad lomográfica presenta la Lomo LC-Wide, que desafiará tu percepción lomográfica. Apasiónate con el ultra gran angular: la Lomo LC-Wide cuenta con las características clásicas de la Lomo LC-A+, y además añade, gracias a una locura de formatos, una dimensión nueva a su lente Minigon de 17 mm ultra gran angular, especialmente diseñada para la cámara. ¡Cambia entre el formato completo, cuadrado o medio fotograma y deléitate con la calidad de la nueva lomografía ultra gran angular!




No importa si estás enganchado a las panorámicas asombrosas o si eres más del tipo "cuanto más cerca mejor", hemos diseñado la LC-Wide para contentar a todos los extremos. Su delicada lente Minigon de 17 mm combina las características clásicas de la Lomo LC-A con una ultra gran angular que te abrirá los ojos hasta límites desconocidos. ¡Satisface tu curiosidad y deja que la Lomo LC-Wide te guíe por la amplitud! Con todas estas opciones, la Lomo LC-Wide te catapulta hacia una locura de formatos que despertará una creatividad increíble y demostrará que es una sucesora fiel de la Lomo LC-A.











Más info: http://microsites.lomography.es/lc-wide
Producto en la tienda internacional

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Exposición: Cincuenta años de la URSS

Enmarcado dentro programa Gutun Zuria “Festival internacional de las letras” AlhóndigaBilbao albergará entre el 11 de mayo y el 29 de junio una exposición del fotógrafo ruso Dimitri Baltermants. Las obras forman parte de la colección de la Moscow House of Photography.

Cincuenta años de la URSS a traves de la lente, un trabajo en el que destacan sus magníficos reportajes desde el frente, los retratos políticos de los líderes soviéticos y los paisajes cotidianos de Rusia, antes y después del régimen comunista. Baltermants supo proteger los mitos fundamentales del régimen soviético sobre la vida del pueblo más fuerte y feliz de la tierra y, a la vez, desnudar de la forma más brutal la realidad de sus mitos, destacando en sus fotografías los dolores y las alegrías comunes del ser humano, que no dependen de las fronteras geográficas ni de las estructuras sociales. Según informan desde la propia página web

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Querido Roy

Recuerdo que hace años el hermano de un amigo había comprado una lámina de un tal Roy Lichtenstein. Era una reproducción de una de sus obras más significativas The Kiss IV (1962). Desde aquel beso mi interés por Lichtenstein fue creciendo.

Roy Lichtenstein estaba inmerso en la cultura Pop Art, en el gusto por la imagen vulgar del repertorio urbano, en la cultura de masas, dónde el motivo adquiere gran importancia. Su carrera se consolidó en Nueva york junto a un importante grupo de artistas: Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselman o Robert Indiana.

Conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del comic, también realizó esculturas con esta misma técnica. En palabras de Lichtenstein sobre su obra:

"Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo"

Para saber más:

Historia del arte. El mundo contemporáneo. Dirigida por Juan Antonio Ramírez
http://www.lichtensteinfoundation.org/

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Bio ¿qué?, Biopic

Biopic, género cinematográfico que intenta contar la "historia de la vida de una persona" o "sus momentos más importantes". Normalmente es un género que no se suele ver dos veces, aunque por suerte siempre hay excepciones. Otras veces, simplemente no parece un biopic....

No hace mucho revisione Ed Wood (Tim Burton, 1994) que narra la historia del bizarro director de cine Edward D. Wood Jr. Me encantó recordar Glen o Glenda y ver brillar a Martin Landau, interpretando a Béla Lugosi, cuya relación con Ed Wood (Johnny Deep) es clave para el desarrollo del film. Un homenaje a un director y a todo un señor género.



Aunque no todos los biopics son sagrados, y esta lección la aprendió bien Olvier Stone en The Doors (1991) dónde el director se centra en la vida de Jim Morrison desde su etapa estudiantil hasta su muerte en París. Más allá de caer en muchos errores históricos, la banda rechazó el film porque parece que Stone se olvidó de que Morrison era músico. Veinte años más tarde, lo que parece increíble es que Val Kilmer diese vida a Jim Morrison.

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Jason hace comics

John Arne Saeteroy (Jason) nació en Molde (Noruega) hace 38 años. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación.
"Yo maté a Adolf Hitler" confesó Jason en 2007. Ahí fue cuando nos hicimos amigos. Su trazo simple y sus aparentemente inofensivos perretes cautivaron al público y a la crítica, esta obra fue ganadora del premio Eisner 2008. Después conocería su extensa colección, desde 2001 cuenta con 14 historias, cada cual más interesante. Desde partidas de ajedrez, hasta historias que parten el alma sobre amistades infantiles o el más clásico género negro. Del blanco y negro al color Jason es un autor que no se puede perder la oportunidad de leer.

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Che-qué-loco y Mostrenco

Che-qué-loco es el alter ego de Darío Adanti, ilustrador argentino afincado en Madrid. Darío define su obra como humor absurdo, y dedica gran parte de su tiempo a la cultura más pop. Su colaboración con Jordi Costa "Mostrenco", crítico cultural español, ha dado como resultado "Mis problemas con Amenábar" (2009) o el homenajea a los 2.000 números de la revista cinematográfica Fotogramas "2.000 años de cine" (2010).
Pero si hay una obra que brille por encima de todas en este maravilloso tándem formado por Mostrenco y Che-qué-loco es Monstruos Modernos! (Astiberri, 2008). En esta obra veremos un repaso a la cultura, una crónica de los fenómenos modernos del ocio. Desde Woody Allen a la música indie pasando por a cocina moderna, el brunch, Joaquín Reyes o John McEnroe. Textos breves de tres o cuatro ideas sobre personajes, momentos, productos, acompañados de ilustraciones precisas que sacan la sonrisa de más de uno. Tal vez su punto fuerte reside en lo fácil que resulta identificarse o reconocerse en el libre y es que quién no conoce a los Rollings Stones, Homer Simpson, George Clooney o adora las siestas (la digestión entre paréntesis).

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Miguel Noguera: la idea de

Miguel Noguera ha sido esta semana uno de los invitados de de Andreu Buenafuente en su programa. La excusa, la reciente salida al mercado de su primer libro en solitario: Ultraviolencia. La obra viene a ser una enciclopedia ilustrada de las ideas de Noguera, la versión en papel de sus espectáculos de monólogos, donde se dedica a improvisar a partir de una serie de conceptos preestablecidos que acaban normalmente conformando una versión absurda de la realidad.

El humor de Noguera se basa, sobre todo, en el desconcierto. En inventar procesos de comportamiento disparatados de personas, animales, máquinas o microorganismos. Cuanto más irracional, cuanto más ilógico mejor; pero siempre sin desligar totalmente esos comportamientos de la realidad: tirar del chicle pero dejando un pequeño hilo colgado, lo suficiente para que pensemos que esas cosas pueden suceder de verdad, por qué no, aunque eso fuera entonces tan divertido como incómodo.

El procedimiento de Noguera es lanzar la idea al aire y deconstruirla después. Desglosarla haciendo hincapié en los detalles más estúpidos, los que engordan el carácter surrealista de sus propuestas. Y eso lo hace dejando que sea el espectador quien realice el esfuerzo práctico e imagine esas ideas en su cabeza. Incluso mejor si las refuerza y las amplia. Noguera da el pie y expone su extraño mundo, pero para que la fórmula funcione es necesaria la existencia de pequeños nogueras activos dentro de cada espectador.

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Logorama: el exceso como arma

Logorama es un cortometraje de animación dirigido por tres autores franceses. El film ha ganado importantes premios como el Kodak en Cannes y el Oscar a mejor cortometraje animado en el año 2009.

Con un argumento muy simple, la mayor virtud del corto reside en el grandísimo trabajo creativo y de imaginación para conseguir construir un mundo donde todos los elementos (desde personajes hasta mobiliario urbano o cualquier ser vivo) son logos, imágenes de marca que, aprovechando su diseño, interactúan de una forma o de otra. Como ejemplo, en el zoo de la ciudad viven animales como el cocodrilo de Lacoste, el pingüino de Linux y hasta el elefante de los republicanos norteamericanos.

El film, más allá de la simple y exprimidísima idea de hacer ver los peligros de la excesiva industrialización del mundo en que vivimos, es capaz de crear dentro del espectador una conclusión incómoda pero inconsciente, que tan sólo se hará consciente cuando éste realice el ejercicio de pensar en cuántos de los más de 3.000 logos que aparecen en la película ha sido capaz de reconocer. Es entonces cuando se nos revela que, cuando la estrategia del uso de la imagen se basa en la saturación, no hay mucho que podamos hacer para defendernos.

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Mama Wassalon

Wassalon y Monstri viven juntos. Clara-Tanit (Gerona, 1981) les da vida. Esta joven ilustradora española fue la primera ganadora de la beca de cómic Alhóndiga Bilbao. Gracias a ello se creo una exposición, allí pude conocer a estos seres maravilloso. Wassalon (Astiberri, 2008)

Cuando la autora defíne la obra nos avisa de que "Hay mucho de mi en Wassalon sobre todo en las primeras historias que dibujé. Pero poco a poco vi que los personajes se habían convertido en entes propios, tenían vida por si mismos. Ya no necesitaba pensar en un equivalente real a Monstri para saber cómo actuaría en cada cosa que le pasara. Llegó un momento, dibujando Wassalon, en el que tenía la sensación de que no hacía falta inventarme las historias. Si los personajes están bien definidos, tan sólo tienes que montar una escena y pensar en una acción. Y ellos te dan el final." *

Como proyecto de cómic creado tras recibir la beca, que consistía en mil euros al mes para desarrollar el proyecto en La Maison des Auteurs de Angloulême, Clata-Tanit publíco ¿Quién ama a las fresas? (Astiberri, 2010) novela gráfica en la cual una chica con cabeza de fresa se ve desplazada en un mundo de cabezas normales. En mi opinión creo que merece la pena acercarse a las historias de Clara-Tanit y prestarlas un poco de atención.

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Los créditos: Balada triste de trompeta

La escena de créditos de la sensacional Balada triste de trompeta es memorable porque condensa en apenas dos minutos el glosario de deas que la película se esfuerza en desgranar durante todo su metraje. Alex de la Iglesia decía antes del estreno algo así como que la cinta venía a ser una especie de ejercicio catártico de los miedos y obsesiones de su infancia, etapa en la que en su cabeza se mezclaban en similares proporciones, procedentes de la televisión, imágenes de políticos recios, monstruos, curas, folclóricas y terroristas.

Esa potentísima imaginería queda plasmada a la perfección en los créditos, una sucesión de fotografías en blanco y negro que, unidas, elaboran un discurso que pasa por lo kitsch y lo grotesco, cuyos paisajes reflejan el lado más cutre y mugriento de un país rancio, miedoso y supersticioso, donde terroristas analfabetos convivían en el dietario de sucesos con las caras de Bélmez, Frankenstein o el humor de Tip y Coll.

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Mi visión del arte

Manifiesto Optimista de un movimiento najnygjuista

Najnygjuista significa n - a – d - a

Queremos creer que hay un arte libre, y que somos capaces de crearlo y estamos seguros de que lo vamos a intentar. Un arte abierto a todos, sencillo, sin tecnicismos ni palabrería. Llevando el arte a la gente, y la gente al arte.

Creemos en toda forma de creación, sin preferencias por ninguna, o por todas. No distinguimos entre obra mayor u obra menor. No nos importa la raza a la que pertenezca la obra, nos importan sus padres.

No hacemos arte por hacer arte*. Lo hacemos porque es un método de expresión, y una manera de llevar nuestras expresiones a vosotros, sin nada que imponer. Solo dando a conocer.

*arte.

(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη).

1. amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo.

2. amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

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Marchando

Tras el visionado de Buried decidí adentrarme un poco más en el mundo de Ryan Reynolds. Aunque conocía algo de su trabajo, Adventureland (Greg Mottola, 2009) o La proposición (Anne Fletcher, 2009), elegí la comedia Marchando (Rob McKittrick, 2005).



Marchando (o Waiting en su título original) es una "pseudocomedia" sobre un grupo de jóvenes que trabajan en uno de esos restaurantes de cadena. Entre bromas infantiles y juegos ridículos, Dean (Justin Long) se plantea si su futuro pasa por quedarse estancado en ese local "de mierda". Con un respetable 6,8/10 en imdb me dispuse a ver el film, 94 minutos más tarde me preguntaba si de verdad eran necesarios y porqué no me había "marchado" 94 minutos antes. Sin gracia, con un tema demasiado trillado sobre el existencialismo de la juventud y sus miedos al estancamiento, tal vez solo merezca la pena por conocer a Bishop (Chi McBride) un friegaplatos psicólogo que intenta poner un poco de orden dentro del caos de la cocina. Esta vez no se salva ni la música. Una advertencia, salió en dvd una segunda parte Still Waiting (2009) aunque por mi pueden seguir esperando.

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Espere que se termine mi bono

Cuando me mudé a mi actual barrio, una de las primeras cosas que hice fue buscar un videoclub para hacerme socia. En este caso se trataba de una de esas cadenas en las que priman las palomitas frente a una buena selección de películas. Y aunque no me suministraran todo lo que mi cuerpo necesitaba, los precios eran razonables y el catálogo no era tan pobre. Además era el único videoclub que quedaba en la zona.

Ya había vivido años atrás en este barrio, cuando las películas se alquilaban en VHS y se mantenían discusiones con el dueño sobre si sí o no había que entregar las películas rebobinadas. Cuando un videoclub era un lugar en el que un señor (normalmente gordo) te recomendaba esto y lo otro. Cuando tenías la posibilidad de elegir un videoclub.

Ahora, simplemente espero que la tienda de golosinas en la que alquilan DVDs unas calles más allá no cierre antes de que se termine mi bono de diez.

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Los créditos: Lost Highway

El comienzo de Lost Highway (Carretera Perdida, David Lynch, 1997) es un paisaje nocturno, un plano oscuro. Cuando la canción de David Bowie empieza a atronar ya podemos deducir que nos encontramos en una carretera. La repetición continua de figuras (las marcas de pintura del asfalto), lo cerrado del plano y la escasísima profundidad de campo recuerdan a una escena onírica, cargada de una ilógica propia de una pesadilla. El I'm deranged de Bowie adorna de forma perfecta la sensación de desenfreno de la enloquecida escena. Lynch sabe que una carretera fantasmal de noche es un potentísimo símbolo de misterio: las imágenes de la entrada a Twin Peaks o la ascensión a la colina de Mulholland Drive pueden ser perfectamente las fotografías de ambas obras.

La frenética escena de créditos de Lost Highway termina como empezó: una recta interminable y unas luces. Nada más. "Dick Laurent is dead".

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¿Conoces a este tio?

Tiene un apellido imposible y una imagen alejada de los canones de belleza impuestos por Hollywood, sin embargo esta llamado a ser uno de los grandes actores de la década. Él es Zach Galifianakis.

Cómico underground, con varios programas televisivos propios, saltó a la fama en 2009 con la comedia The Hangover (Todd Phillips, 2009). Con un argumento muy clásico, novio y tres amigos van a Las Vegas para celebrar la despedida de soltero. Las cosas se complican, nadie recuerda nada y la boda corre peligro. Fue en este film donde Galifianakis brillo con más fuerza situandose a un nivel superior de sus compañeros Bradley Cooper, Justin Bartha y Ed Helms.
Con algo menos de acierto Todd Phillips decidió repetir la técnica del road trip. Esta vez Zach Galifianakis se situaría como co-protagonista en Salidos de cuentas (2010) junto con un explendido Robert Downey Jr.
Recientemente también se le ha podido ver en La cena, remake de la francesa La cena de los idiotas, y esta preparando la segunda parte de la exitosa Resacón en Las Vegas (The hangover) que verá la luz en Estados Unidos el próximo mes de mayo.

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La escena. Banda aparte

9Min. 43Seg.
Franz a Odile y Arthur.
Es el tiempo que se tarda en atravesar el Louvre corriendo, o al menos los protagonistas de Band à part, película de Jean-Luc Godard realizada 1964. Quién pudiera atravesar el Louvre corriendo y sentir aquel París.

En realidad son menos de 40 segundos y sin embargo son una seña de identidad de la Nouvelle Vague. En Jules et Jim (Truffaut, 1962) podemos encontrar una escena muy parecida. Aunque será en la película Soñadores (Bertolucci, 2003) la que reviva la secuencia en una nueva historia sobre dos chicos y una chica en las calles de París.

En este otro video podeís ver el cuidado de Bertolucci para que fuese lo más parecida posible. Sin duda, uno de los grandes momentos del cine europeo.

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El arte no es una opción

Más conocida por el pseudónimo de Troch, la fotógrafa canadiense Mary Burgoyne nos adentra en su mundo de plástico

Cuenta con casi 4.000 fotografías en su galería repartidas en 280 álbumes y su máxima es que el arte no es una opción. Sin duda, lo que no es una opción es no conocer su obra. Su corazón late en blanco y negro pero cada día nos sorprende con una nueva explosión de color.

¿Cuál es tu historia?

He sido fotógrafa y adicta al cuarto oscuro toda mi vida. Me compré mi primera Holga como un capricho en 2005. Tenía una Fujica 645 desde años, por lo que el telémetro de 120 no fue una gran sorpresa. Jugué con ella un tiempo y después empecé a buscar información en internet, lo que me llevo hasta Lomography. Me inscribí en Marzo de 2007, si la memoria no me falla. Para entonces, ya había descubierto Beau Photo en Vancuver. Ellos venden cámara “lomo” y una amplia cama de película y productos para el cuarto oscuro. Mi siguiente cámara fue una “Fisheye 2” y la adquisición de cámaras aún continua.

¿Cuál es tu lomografía preferida? ¿Puedes decirnos por qué esta fotografía?

Creo que me voy a quedar con esta. El color es divertido y llamativo pero en mi corazón y mi alma reina el blanco y negro. He disparado muchos carretes en este edificio y siempre que necesito inspiración, cojó una cámara, y mi corazón me lleva hasta allí.

Te hemos visto fotografiando increíbles paisajes pero, ¿Cuál es tu localización ideal para disparar?

Mi localización ideal sería el siguiente valle a la colina que aún no llegado todavía. Ojalá que haya mucho sol y viejos edificios abandonados para explorar. Además iba a necesitar al menos tres cámaras con una buena selección de película.

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Estereotipos aceptados

El pasado domingo La Sexta emitió el último capítulo de Princesas de barrio, la sit-com mezcla de realidad y ficción que sirvió como heredera natural de la anterior Mujeres ricas. La serie respeta el formato de su predecesora: una sucesión de historias alrededor de cuatro protagonistas con una posproducción muy cuidada y respeto por la idea de entretenimiento puro sin pretensiones.

Ambos productos sacan a escena los comportamientos, normalmente estereotipados, de dos clases sociales muy diferenciadas pero, aun así, sus mayores logros son los mismos:

1. Conseguir que una parodia sobre un colectivo sea considerada como tal por los detractores naturales de ese colectivo

2. Que a la vez quienes pertenecen a ese colectivo se vean identificados con las protagonistas y lo consideren simplemente una broma frívola sin malas intenciones

3. Que, a pesar de todo, no deje de ser un reflejo de la realidad, más o menos distorsionado y exagerado, pero siempre fiel

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Lomografía. ¿Qué es?

La Lomografía es una técnica fotográfica analógica que consiste en utilizar, a grandes rasgos, cámaras de plástico. En la práctica se trata de recuperar la fotografía analógica indistintamente de la cámara que se use. Aunque su lema es que no hay normas cuenta con diez reglas de oro para todo aquel que quiera iniciarse.

1) Lleva tu cámara siempre contigo

2) Utilízala siempre: de día y de noche

3) La Lomografía no interfiere en tu ritmo de vida, forma parte de ella

4) Dispara desde la cadera

5) Acércate lo más posible a sus objetos de deseo lomográficos

6) No pienses

7) Sé rápido

8) No necesitas saber de antemano lo que ha captado la película

9) Luego tampoco

10) Pasa de las normas

Formatos cuadrados, dobles exposiciones, procesos cruzados. Un sin fin de palabrerías que no deberían asustar a nadie. La técnica es sencilla: coge una cámara de las que quedaron encerradas en los armarios cuando llegaron los megapixeles, si tienes suerte te quedará algún carrete (no te preocupes si esta caducado), sal a la calle y dispara. Volverás a sentir incertidumbre cuando tu película este de camino al laboratorio y pánico cuando estés de camino a recogerlo. ¿De verdad no quieres probar?

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La escena. (500) Days of Summer

(500) días juntos (Marc Webb, 2009) no es una historia de amor. Llena de referencias pop nos cuenta la relación entre el idealista Tom (Joseph Gordon-Levitt) y la adorable Summer (Zooey Deschanel) esa bella chica que no deja indiferente a nadie. Es una historia sobre cine francés, el mundo indie, los Smiths o Simon & Garfunkel.

La siguiente escena resume bastante bien esa idea. Tiene fuerza, tiene ritmo, tiene La guerra de las galaxias y tiene baile. ¿Qué más se puede pedir?

Como era de esperar creo escuela y producciones que se mueven en el mismo circulo lo homenajearon. Para el capítulo cien de Como conocí a vuestra madre sus protagonistas deleitaban al público con este otro musical.

Y de regalo este videoclip grabado para la banda sonora de la película en la que nos muestran que ambos protagonistas tienen dotes de bailarines.

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El paso del tiempo como castigo (II)

En efecto, la propuesta de Braid es la consecución de unos objetivos para superar una especie de redención a través ejercer de toda clase de manipulaciones en el tiempo. Decía en el anterior post que, para alcanzar esos objetivos, no existe limitación temporal. Nada de cronómetros corriendo en contra, lo que lo convierte en un juego infinito si el jugador no es lo suficientemente hábil como para llegar hasta las piezas de puzzle que cada nivel requiere y, como precisamente Braid no es un juego sencillo, en ocasiones se convierte en todo un reto a la paciencia. Es cierto que este hecho no supone nada novedoso ni revolucionario, y que la mayoría de juegos arcade funcionan de la misma manera. Pero también es cierto que Braid es capaz de llevar la fórmula casi hasta el tedio, en un ejercicio suicida de estiramiento de los límites temporales y de manipulación de la paciencia del jugador. Un hecho paradójico y redondo en un videojuego cuyo principal protagonista es, precisamente, el tiempo.

Relacionada: El paso del tiempo como castigo (I)

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¿Debe publicarse esta fotografía?

Tras el artículo escrito por Pablo Ordaz, corresponsal en México , Centroamérica y el Caribe en su blog de elpais.com me asalta de nuevo la eterna duda, ¿hasta que punto se debe publicar una fotografía?

La duda sobre hasta que punto un fotógrafo debe o no hacer una fotografía y publicarla no es algo nuevo. Más bien está de constante actualidad. En facultades de ciencias sociales y de la comunicación, fotoperiodismo, cursos de reporterismo gráfico siempre surge la pregunta, ¿hasta que punto debe publicarse una fotografía?

La respuesta nunca es clara. En mi opinión creo que un fotógrafo debe utilizar su cámara como arma para denunciar situaciones y como periodista para informar sobre los hechos. Como toda información, e informante como más o menos ética, se debe evitar el sensacionalismo. El mundo linchó a Kelvin Carter por no ayudar a la niña a escapar del buitre, años más tarde descubrimos que era un niño y que no corría ningún peligro como se muestra en el artículo de El Mundo.

En el caso de la fotografía artística la polémica no es menor. Un ejemplo es el fotógrafo Oliviero Toscani, más conocido por sus campañas para la empresa Benetton. Ahora os pregunto, ¿hasta que punto creéis vosotros que debe publicarse una fotografía?

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El paso del tiempo como castigo (I)

El protagonista de Braid sabe que cometió un error, que por su culpa perdió lo que más quería y que quizá jugar con el tiempo sea la única manera de recuperarlo. De esta manera nos embarcamos en una aventura extraña y sutilmente elaborada, en un juego de plataformas con referencias evidentes en forma de guiños a Super Mario Bros cuyo mecanismo gira siempre en torno a la manipulación temporal como herramienta para superar los niveles. Braid, desde su apariencia de sencillo rompecabezas, propone una reflexión nostálgica sobre la pérdida del amor, su consiguiente huella y la melancolía póstuma como consecuencia inevitable.

Su sistema de actuación, basado en un plataformas clásico, elimina de un plumazo las reglas tradicionales de los videojuegos, donde morir es el castigo a una acción equivocada. En Braid la muerte sencillamente no existe, ya que es evitable. Sin embargo, conseguir los objetivos será una tarea complicada y fruto solamente de la consecución de la excelencia en los movimientos realizados.

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Black swan (Darren Aronofsky, 2011)

Darren Aronofsky ha encontrado su principal público objetivo. Se trata de una generación fascinada hace diez años por sus primeros trabajos, Pi y Requiem for a dream, dos obras con mucho en común y con las que el director neoyorkino establecía como marca de la casa un estilo formal exagerado y extraño. Esa generación es la principal responsable de que cada nueva película con su firma sea esperada con ansiedad por muchos.

Black swan regresa a esos inicios visuales, tras la incomprendida The fountain y la más académica The wrestler, film con el que Aronofsky se hizo un hueco el año pasado en el banquete de Hollywood.

Es precisamente con esta última y con Réquiem for a dream con quienes Black swan guarda más elementos en común, mostrándonos todas el camino que conduce desde una vida aparentemente exitosa hasta la absoluta autodestrucción, en este caso bajo un efectismo escandaloso y paranoico que confirma una vez más al realizador de Brooklyn como un enemigo declarado de la sutileza y la armonía narrativas que, además, se atreve a crear una profunda dicotomía formal encarando de esa manera un arte de extrema delicadeza y fragilidad como el ballet.

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De cómo las élites de poder se bajaron las bragas en la prensa rosa

La prensa rosa o periodismo del corazón son publicaciones periodicas destinadas a contar la vida privada de famosos y demás farándula. Con una gran popularidad en nuestro país sirve de escaparate para las élites de poder. Aristócratas, reyes, princesas y demás banosesas hasta candidatos políticos, presidentes, ministros... todos hacen aparición en las páginas del papel cuché.

Si bien durante años los grandes clásicos como ¡Hola!, Semana, Lecturas o Pronto lo han dado todo por mostrarnos la cara más amable y respetuosa de estas élites, una nueva "raza" de prensa rosa ha nacido en nuestra sociedad destinada a destripar a aquellos que se crucen por su camino. Y es que la audiencia ha hablado, Cuore o Qué me dices se sitúan por encima de Lecturas o Semana.

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La torpeza del elefante

Hace cosa de un mes, durante una clase en la facultad de Periodismo de la Universidad del País Vasco, salió el tema de Vigalondo y su salida forzada de El País, y la profesora que impartía una materia de cuarto curso en ese momento quiso posicionarse respecto al tema. Su veredicto fue declarar culpable al director cántabro y situarse a favor de aquellos que consideraron su comentario sobre el holocausto como una provocación intolerable y absolutamente irrespetuosa.

Hace dos semanas, Álvaro Bohórquez entrevistó a Jose A. Pérez, autor del sensacional blog Mi mesa cojea y responsable de programas como Ciudad K o en la actualidad Escépticos, quien, preguntado precisamente por esta última producción, respondió que no había tenido problemas con la UPV/EHU a la hora de realizar contenidos salvo en el caso de la facultad de periodismo, donde sí se había encontrado con el impedimento por parte de ésta de grabar (las razones no están explicadas).

Resulta que Nacho Vigalondo estudió Comunicación en la UPV/EHU, aunque no terminó la carrera; y José A. Pérez es licenciado en Publicidad por la misma universidad.

Algo falla si, desde dentro de las universidades (teóricamente centros de formación y creación de profesionales) se cuestiona, critica, dificulta o directamente se ataca en público el trabajo de quienes han salido de su seno y, de una manera o de otra, han conseguido importantes reconocimientos a su labor. Bien cierto es aquello de que nadie es profeta en su tierra, pero actos así hacen recordar, a otra escala, catástrofes sociales como las fugas de cerebros que suceden cuando no se preparan a tiempo los medios necesarios para el progreso. Aunque en este caso las consecuencias no son tan graves, sí que resulta triste comprobar que suceden cosas así, respaldadas además por justificaciones peregrinas o difíciles de entender. Más evidente aún parece la torpeza de una facultad que, lejos de aprovechar la oportunidad para lograr una publicidad magnífica a través de quienes han conseguido que su mensaje llegue lejos, bombardean su propio tejado sin saber que el prestigio se obtiene, sobre todo, logrando que su imagen pública sea fuerte y positiva.

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Por qué ver... Buried (Enterrado)

Paul Conroy (Ryan Reynolds) es secuestrado y enterrado vivo en un ataúd mientras trabaja como civíl en Irak. En la caja Paul cuenta con poco más que un mechero y un teléfono móvil para intentar salir con vida.



Es admirable como Rodrigo Cortés aborda el guión imposible de Chris Sparling y lo transforma en noventa y cinco minutos de cine. En ocasiones el ritmo se frena y la sensación de asfixia se pierde, aunque se recupera en el desenlace. Pero todo el peso de la película recae sobre un sorprendente Ryan Reynolds, más conocido por sus papeles de "chico guaperas que altera a las nenas". Llevar sobre sus hombros todo el peso de una película no debe ser fácil, y menos si ello implica vivir dieciseís días de rodaje en una caja. Quizás el secreto está en que deja de ser una interpretación para convertirse en algo real. Reynolds afirmaba que "Rápidamente se convirtió en una fobia mía, porque dadas las circunstancias, en este rodaje, no puedes evitar sentir cómo se echan encima las paredes".

Por qué ver Buried, por la dirección de fotografía, por aprender que se puede mantener la atención del espectador sin sacarlo de una escena durante toda la película, por el montaje que hace de cada fundido a negro un nuevo acto (más propio del teatro). Por ver que Ryan Reynolds es algo más que una cara bonita y un buen cuerpo.

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La escena. La red social.

En la red social David Fincher se permite dejar su sello personal, como en la magnífica escena de la competición de remo, donde diversos primeros planos se mezclan con picados y cenitales descarados, todo ello con desenfoques muy marcados y un rítmo frenético que crea una composición casi de videoclip incrustada en medio de la película. Es sin duda la mejor secuencia de la película.



Parte de culpa de tan sublime escena la tiene In the hall of the Mountain King canción creada por Trent Reznor and Atticus Ross que suena durante la secuencia. No es de estrañar que la banda sonora de la película resultase ganadora en las pasadas galas de los Globos de oro y los Oscar. Pero la banda sonora no solo resulta imprescindible para esta escena en concreto y es que resulta evocadora. Cuando uno se detiene a escuchar el disco puede revivir la película y perderse entre sus títulos. Almost home.

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Una construcción rural de la ficción

Los habitantes más ancianos de Logrosán, en Cáceres, son capaces de recordar todavía con una sonrisa nostálgica historias como la de aquella noche de verano. Corrían entonces los años 50, cuando una voz de alarma recorrió todas las calles alertando de un suceso extraordinario que estaba teniendo lugar en la sierra y que podía verse desde la cancha de fútbol. Allí se reunieron aquella noche la mayoría de los vecinos, quienes miraban hacia arriba sin saber muy bien qué estaba pasando exactamente, hacia unas luces misteriosas que se movían y a la vez descendían hacia el pueblo. Entre risas y nervios los habitantes más informados aseguraban que aquellas luces no podían ser otra cosa que extraterrestres que bajaban a la tierra. Los ciudadanos permanecieron allí hasta que, horas después, dos populares vecinos del pueblo aparecieron en la cancha con dos linternas en las manos y con las ropas destartaladas y sucias, relatando que habían subido a la sierra de San Cristóbal, que corona el pueblo, y se les había hecho de noche.

Más allá de la anécdota, el suceso sirvió como sustituto con que rellenar lo que actualmente consideramos una carencia cuando miramos hacia el pasado. Me refiero a los momentos de ocio comunitario proporcionados por medios como la televisión o el cine. A falta de esos elementos capaces de hacer compartir las mismas experiencias a una comunidad, el pueblo de Logrosán encontró aquella noche una excusa ideal en aquella sierra para, no sólo forjar un nexo de unión entre sus ciudadanos, sino también para descubrir sobre San Cristóbal un pedazo grande de ilusión y novedad; para proyectar sobre ella, en definitiva, su propia ficción

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A spanish film

Hoy hemos podido leer en El País que Ángel Sala, director del Festival de Sitges, ha sido denunciado por un fiscal acusado de exhibir pornografía infantil en "A serbian film". El artículo decía que

"la fiscalía acusa a Sala de un delito de exhibición de pornografía infantil por permitir el pase de la cinta, en la que aparecen dos imágenes que supuestamente traspasan la legalidad: la violación de un bebé recién nacido y otra de sexo con un niño de cinco años."

El artículo en ningún momento menciona la ficción de la cinta, es decir, no existe tal bebé ni tal niño. La reciente oleada de "moralismo" (por llamarlo de alguna forma) que esta recorriendo el país hace que cada vez me sienta más estúpida. Debemos de tener o los fiscales más astutos o los más ridículos. La noticia continúa con el siguiente párrafo.

"La fiscalía barajó la posibilidad de llamar a declarar también al director de la película y de denunciarle, aunque desistió por la dificultad para imputarle ese delito y de localizarle para que compareciera. Y es que la legislación sobre la exhibición de pornografía con la participación de menores es distinta en cada país y eso hubiera provocado un debate legal de incierto final, pues Srdjan Spasojevic es de nacionalidad serbia."

Claro, por lo visto vivir en Serbia, en el año 2011, debe de ser un gran problema para localizar a uno de los cineastas más de moda. Y para que vamos a quedar como gilipollas delante de toda Europa. Definitivamente sí, creo que tenemos los fiscales más ridículos. Es difícil explicar como, situaciones como esta, me hacen sentir verdadera vergüenza. Hoy si puede decir el señor Javier Moreno que este suceso constituye un insulto a cualquier aficionado al cine y a cualquier persona honesta.
¿Desde cuándo alguien puede decirme qué ver y qué no ver? Creía que el art. 20 de la Constitución Española me protegía. Ilusa. Porque no lo olviden señores, aunque a veces no lo parezca, el cine es ficción.

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Krusty es machista

En un capítulo de Los Simpsons, el payaso Krusty pronuncia, como candidato a congresista durante una campaña electoral previa a unas elecciones, un discurso equivocado cargado de frases machistas y lleno de tópicos sobre el papel de la mujer en la sociedad. Obviamente el sector femenino que asiste al mitin se levanta ofendido y comienza a abuchear a Krusty, mientras que Marge, interesada en la victoria del payaso por cuestiones personales, se lanza en su defensa intentando excusasr el contenido del discurso bajo un razonamiento concreto: la idea de que Krusty tan sólo está interpretando un papel en el que parodia los comportamientos sexistas de los auténticos machistas.

Hay ocasiones en las que se hace complicado diferenciar un discurso real de un acto caricaturesco. Hay otras veces en que, aunque el caso es evidente, ese mínimo esfuerzo intelectual que requiere esta lógica de aparentemente fácil comprensión, sencillamente no se quiere realizar. El dato diferenciador que desvela normalmente que el discurso se trata de una parodia es la exageración, característica que requiere toda caricatura. En ocasiones confiar en la inteligencia del público se convierte en un acto de fe demasiado arriesgado.

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De qué hablo cuando hablo de comer

La gastronomía cada vez cobra más fuerza en la cultura que nos rodea. Y no es solo labor de grandes cocineros (Andoni Aduríz, Mugaritz; Ferran Adriá, El Bulli). Aunque Mugaritz acaba de presentar su proyecto gastronómico-musical, una banda sonora a partir de la experiencia culinaria que suponen algunos de sus platos, músicos, escritores, cineastas nos mostraron el arte de la cocina mucho antes. Y es que el alimento es un modo de expresión.

Un ejemplo de ello es Kitchen de Banana Yoshimoto. Con su ópera prima Yoshimoto se adentra en el lado más filosófico de la gastronomia. En esas comida repletas de frío y soledad que hacen saborear cada página.

Si uno se adentra en el mundo cinematográfico las posibilidades se vuelven infinitas. Desde Delicatessen y su particular comunidad de vecinos centrados en comer hasta reuniones en grandes banquetes como La cena de los idiotas, con un remake recientemente que no terminó de convencer a nadie.

Bon apèttit!

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El rey Patricio os saluda

En el capítulo Regla de tontos, de la mundialmente famosa y sensacional serie animada Bob Esponja, Patricio es, sorprendentemente, nombrado rey sin más motivo que una repentina aparición de un antepasado que pertenecía a la nobleza y que, siguiendo una misteriosa línea sucesoria, otorga los poderes de reinado de la comarca a la estrella rosa. Es entonces cuando comienza a cundir el terror entre los habitantes de Fondo de Bikini, quienes asisten impotentes a toda una demostración de descontrol y abuso de poder por parte del nuevo gobernante, quien no sólo no está dispuesto a servir a su pueblo sino que además es capaz de sembrar una cruenta dictadura que acaba incluso en la expropiación injustificada de todo tipo de bienes a los ciudadanos.

Más allá de lo maravilloso de ver a un Patricio totalmente desatado, el episodio nos enseña cómo el poder absoluto, incluso en las manos más aparentemente adecuadas (en este caso un personaje incapaz en un principio de hacer el mal y lleno de bondad, aunque, eso sí, seriamente incapacitado y muy poco dotado de inteligencia), puede convertirse en un arma incontrolada capaz de conducir al caos incluso al pueblo más apacible.

Al final del capítulo, y tras una serie de calamidades, sucede, de forma totalmente inesperada, un hecho que hacer ver la auténtica realidad a Patricio y que le lleva a rectificar y dejar voluntariamente el poder. La terrible paradoja entonces se revela de forma casi involuntaria, cuando se descubre que el auténtico rey de derecho, el sucesor real de Patricio, no es otro que Gary, un caracol sin personalidad que ha pasado toda su vida siendo la mascota de Bob, y que carga el futuro de los habitantes de Fondo de Bikini de una horrible incertidumbre, justamente cuando el tirano había abandonado y todo parecía que sólo podía ir a mejor.

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La soledad del asesino en serie

Bromeaba Andreu Buenafuente en uno de sus monólogos televisivos sobre el nombre que los medios de comunicación habían colocado a Andrés Mayo Fernández, condenado hace veinte años por múltiples violaciones y conocido como “el violador del chándal”. Hablaba Buenafuente sobre la 'deshonra' que debe suponer el hecho de que, tras una dura vida dedicada a la delincuencia, se acabe siendo conocido públicamente por ese ridículo apelativo. Un ejemplo parecido de denominación absurda al autor de una serie de crímenes ocurría en España en 1888 (aunque esta vez efímeramente y por error) cuando el diario La Vanguardia malinterpretaba las informaciones que llegaban de Inglaterra y adjudicaba a Jack el Destripador el seudónimo de Jaime el Gaitero, debido a una mala traducción del nombre original (Jack the Ripper).

La Vanguardia tardó poco en darse cuenta del error y rectificó eliminando la traducción literal, un acto significativo en un caso en el que la firma funciona como un símbolo con una fuerza absoluta, teniendo en cuenta que del supuesto autor poco se supo nunca más allá de su metodología, tan siquiera si llegó a existir como asesino único o por el contrario, tal y como se llegó a especular, se trató de actos violentos cometidos por varias personas. Todo quedó en una anécdota curiosa que, sin querer, conseguía desdramatizar involuntariamente los hechos y aportar un toque casi cómico a uno de los personajes más terribles de la historia moderna.

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Nuestro felpudo dice

El consumidor de Internet selecciona la información que desea, lo cual le hace mucho más permeable a esa información que a la aparecida en un media general, televisión, radio, prensa, en la cual no puede seleccionar en igual medida el mensaje recibido.

"La televisión debe ofrecer productos de masas, productos que lleguen a un público muy numeroso [...] Por el contrario, Internet proporciona productos a medida de diferentes intereses. [...] Por tanto, en la medida en que Internet es una diversión, un entretenimiento, la televisión resultará vencedora entre los 'perezosos' [...] mientras que Internet triunfará entro los 'activos'"

Giovanni Sartori. Homo videns: La sociedad teledirigida

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